Paquete #3

Sinopsis: Esta historia cuenta la vida de El Cholo, un peruano que busca oportunidades de trabajo en Venezuela (si, en Venezuela). El Cholo termina trabajando como asesino a sueldo, junto a varios compañeros que también son inmigrantes. El valor de la vida y el poder de quitarla transformarán, poco a poco, la perspectiva de este peculiar personaje. 

Un poco de historia

Alfredo Hueck es recordado por dirigir Bloque 1, el primero de dos mediometrajes que conforman el film Bloques (2008); protagonizado por Dimas González quien representa a un solitario hombre cuyo apego al alcohol lo hace buscar amor en lugares y personas equivocadas. Empiezo mencionando su anterior proyecto porque recomiendo ver este trabajo; en el mismo se visualiza esa narración fresca pero a la vez densa que busca retratar el director caraqueño. 

Ahora si hablemos del paquete en cuestión

Tantas películas nacionales se han dedicado a hablar de la delincuencia y violencia (desde los años setenta) que nos hemos acostumbrado o aburrido de ellas. Lo vivimos, lo padecemos, lo vemos en pantalla pero el problema persiste. Era necesario un cambio en el discurso, en el formato cinematográfico con respecto al tema. Es ahí en donde entra Paquete #3, que presenta de una manera innovadora la propuesta de contar el trillado tema. 

Una de las cosas valiosas de Paquete#3 es la elaboración de un universo cinematográfico. El film no pretende “parecer de verdad”, más bien recrea a través de sus pintorescos personajes una Venezuela alterna que padece los mismos problemas que nosotros. Como si esa realidad paralela fuera sacada de uno de esos multiversos que vemos en los comics. Aquí, por ejemplo, vemos a Emilio Lovera ser un narrador comprometido con la audiencia, tratando de darle coherencia a la trama que es tan compleja como el funcionamiento del país en el que vivimos. 

El trabajo de post producción es un protagonista más del film. La edición dinámica y los efectos visuales (muchos funcionan para censurar, creativamente, las muertes) encajan perfectamente con el personaje de El Cholo. Ese surrealismo que experimenta, mientras sueña o medita en su mugriento cuarto, recrea perfectamente el absurdo que vivimos a diario con nuestras dificultades. Esta forma de hacer cine en nuestro país, más arriesgada, que apunta a expresar cuidadosamente lo que se tiene en mente, sin tanto prejuicio y confiando en la audiencia venezolana, es algo que se agradece. 

Toda el área de producción es impecable. La cinta fue rodada en Mérida pero el escenario pinta más bien como tierra de nadie, desolada y lúgubre; el paisaje perfecto. Debo hacer mención especial al vestuario y diseño de arte que resultan verosímiles y se aleja de esa puesta en escena artificial y nada convincente que he visto en muchas películas venezolanas. 

La cinta no sería nada sin las actuaciones. Por momentos se siente como una película coral. Se le da espacio a cada uno de los personajes y hay oportunidad de encariñarse (o arrecharse) con ellos. Siento relevante el trabajo de Beto Benites, Emilio Lovera, Vicente Peña y Guillermo Londoño como Mirapalcielo.

Recomiendo Paquete #3 por ser una cinta arriesgada, entretenida y e inteligente. Afortunados aquellos que pudieron verla. Quienes aún no la han visto, consulten a su Barba Negra más cercano.

Trailer:

Star Wars: El Despertar de la Fuerza

Sinopsis: 30 años después de los acontecimientos de El Retorno del Jedi, la Primera Orden (antes llamado El Imperio Galáctico) continúan su labor de conquistar la galaxia entera, esta vez liderados por el temible Kylo Ren. Un Stormtroopers, bastante particular , llamado Finn deserta ante las ordenes de la Primera Orden  y escapa junto a un piloto llamado Poe Dameron. Esta nueva aventura le llevara a conocer a la recolectora de chatarra Rey y juntos se involucrarán con la Resistencia y formarán parte de la invaluable misión de encontrar al ultimo Jedi de la historia.  

Star Wars: El Despertar de la Fuerza, la película más esperada del año (y quizás la más esperada en muchos años) llegó a Valera y no pudieron consentirnos más porque no podían. Compramos la entrada con un día de anticipación al estreno, pudimos verla en 2D y además, ¡subtitulada! Esto es un regalo inmenso tomando en cuenta que los Blockbuster siempre llegan con el audio alterado por el doblaje y en 3D. Y claro, es la única opción en materia de cine en la ciudad de las siete colinas.

Las expectativas con respecto a esta cinta, que inicia una nueva etapa en la franquicia creada por George Lucas, eran altas y la película estuvo en las nubes desde el inicio. 

Lo nuevo y viejo en un trascendente viaje

Los nuevos protagonistas, nuevos héroes de la historia, son una merecida y bien escogida generación de relevo. Daisy Ridley como Rey, John Boyega como Finn, Oscar Isaac como Poe Dameron y por supuesto la incorporación del entrañable robot BB-8. Es la reformulación del equipo de amigos aventureros que vimos en la primera trilogía y que jamás vimos consolidarse en la segunda. Personajes diseñados para ser parte de este inesperado reto: románticos, graciosos, simpáticos en pantalla y profundamente temerarios. Los actores logran interactuar de manera muy fluida, logran una convincente relación entre ellos y se conectan magistralmente con los héroes veteranos.

Harrison Ford como Han Solo, Peter Mayhew como Chewbacca, Carrie Fisher como Leia, Anthony Daniel como C3PO, Kenny Baker como R2D2 y claro, Mark Hamill como Luke Skywalker. Vale decir que son efectivamente los mismos personajes 30 años después, con sus pesadas y acumuladas vivencias a flor de piel; y rescato enormemente la dignidad con la que fueron puestos en pantalla. No son apariciones casuales, cameos o ganas de cumplir un simple capricho. Son leyendas de cine contemporáneas, tienen sus momentos de peso y J.J Abrams, sabiendo esto, siempre justifica con especial equilibrio narrativo sus apariciones en pantalla.

Adam Driver es Kylo Ren, sin duda un poderoso e intimidante villano. Perfecto relevo de Darth Vader (incluso es una amenaza mayor). Y al igual que este último, con profundos y emocionales secretos que lo llevarán por un sendero doloroso que no logra eludir, característico de un Sith.

Orquestando la dirección y propuesta visual 

Ahora, centrándome en el trabajo de J.J Abrams, está de más resaltar su estupendo trabajo. No es una cinta perfecta, pero el director logra generar el mismo efecto de emociones en crescendo de la primera trilogía. Cuida que la historia la proteja un aura nostálgica, pero al mismo tiempo busca recordarnos que así como el pasado forma parte del presente el futuro sigue siendo importante. No solo para defender el bien de las perpetuas amenazas del mal, sino para honrar la labor de los héroes del pasado y construir un camino digno a los que vendrán. En este sentido, creo que es la metáfora que más contundencia tiene la película. 

Otro elemento que me sorprendió gratamente fue el respeto por el maquillaje y los titiriteros para recrear los alienígenas y criaturas del espacio. Hay personajes muy bien diseñados a través de computadora: como Snoke, interpretado por el ya profesional en esta herramienta virtual, Andy Serkis y Lupita Nyong’o como Maz Kanata. Pero llenar la pantalla del recurso digital hace que las películas pierdan esencia y verosimilitud. El Despertar de la Fuerza nos recuerda que los efectos especiales deben ser usados en su justa medida y que poblar las escenas con tantos personajes y paisajes elaborados a computadora sólo produce un agotamiento visual de la estética del film. 

La película es predecible en muchos casos, es cierto, pero cuando se revela lo que esperamos no perdemos la capacidad de asombro. Esto se debe a la forma en la que está hecha la película; sin ser pretenciosa en su argumento pero dándonos la suficiente carga dramática y aventurera para divertirnos y pasarla bien mientras vivimos la experiencia Star Wars. 

Uno de los mejores regalos de navidad. La nueva saga inicia con buen pie; esperemos que su caminar siga teniendo ésta decidida, segura y firme manera de relatar. Hollywood, ya hace varios años, bombardea mundialmente las salas de cine con remakes, spin off, secuelas y precuelas innecesarias. Esperemos que este respeto que se le ha tenido a los fans (y la audiencia en general) con El Despertar de la Fuerza sea una lección para la gran industria de occidente y el interesado público.

Trailer:

La Cumbre Escarlata (Crimson Peak)

Sinopsis: Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra y recuerda.

Sugerencia: pueden leer el comentario mientras escuchan:

Me emociona tener que escribir sobre esta película porque es la primera vez que escribo sobre un proyecto de Guillermo del Toro. Sí, soy fan. Y si les empalaga eso pueden darle click a la X en la parte superior de la pantalla. Pero, si en cambio, eres fan de Del Toro y puedes, como yo, hacer un balance de sus mejores y no tan mejores obras, pues te invito a que leas este artículo. 

Confieso, a pesar de que me duela en este momento, que el primer tráiler de La Cumbre Escarlata no me convenció mucho. Me decía “esto es muy Tim Burton” (ojo, hay varias obras de Burton que me gustan). Pero como se trataba de Del Toro sólo me advertí: “esperaré a verla”.

Que equivocado estaba. La Cumbre Escarlata resultó ser una película que me sedujo completamente y me alegra poder haberla visto en el cine.

Este tipo de películas de Guillermo creo que son mis favoritas. Van por la línea de El Espinazo del Diablo (2001) y El Laberinto del Fauno (2006) (y creo que también de Cronos), aunque tiene, como todas, su insignia, su discurso propio y su identidad.

Quizás mi poco convencimiento al saber de este film se deba a que nunca había visto un film de Del Toro tan oscuro visualmente (no, Blade 2 no es oscura, es una película de acción muy Cool con arquetipos góticos). Tan gótico, pues. Todo su terror contiene cierta calidez en la imagen que te hace sentir desconfiado. Esos amarillos y rojos (que creo que he visto en casi todas sus películas) generan emociones encontradas. Como si el terror no se ocultara en la oscuridad sino en la luz. Pero no se preocupen, hay algo de luz en La Cumbre y la película funciona con toda su atmosfera negra, azules y blancos. 

Uno de los elementos claves en la carrera de Del Toro, y que acá se cuidó a más no poder, fue el trabajo estético. Rigurosamente trabajado, como siempre. Todo el elemento de producción desde el vestuario y la escenografía son geniales. Confieso que estos aspectos se tornan algo exagerados, comparando los vestuarios originales de la época, pero sin duda es una forma de profundizar el atractivo visual del aura gótica. Y claro está, la casa (o Castillo), completamente viva, que respira, sangra, está repleta de sombras y se expresa con chirridos. A eso le agregamos la música de Fernando Velázquez (que ya quiero tener en mi iPod) y el ambiente resulta ser la viva imagen real del arte gótico. Eso sí, no desaparece Del Toro en ninguna escena. Siempre se hace notar su estilo. SPOILER: Como el asesinato de Carter Cushing, tiene las mismas características brutales de aquel joven que muere a manos del Capitán Vidal, golpeado con una botella en el Laberinto del Fauno. 

De nuevo vi doblada la cinta, pero hasta así pude notar el casting bien elegido. Todos cumplen su trabajo a cabalidad, pero sin duda quien ilumina, a pesar de la oscuridad que la envuelve, es Jessica Chastain. Acostumbrados a verla como la dama honorable, con la mirada distante, de ternura blanca, acá vemos un matiz que era sin duda necesario que se explorara. El aspecto sombrío del vestuario, su penetrante mirada y sus violentos y decididos gestos hacen que se sienta a flor de piel el profundo misterio que oculta. 10 puntos Chastain.

Otra cosa que llama severamente la atención son los fantasmas. Y no es que se comen el show. Al final del film, luego de toda la experiencia, descubrimos que los mismos no están ni cerca de ser los protagonistas. Salí de la sala pensando en el terror que genera el humano. Los fantasmas son referenciales, representan ese llamado de advertencia. Pero no más. El terror, como dije, se encuentra entrelazado en ese concepto de amor, sombrío y retorcido, que resulta ser el verdadero monstruo del film.

Del Toro tiene cintas de todo tipo, grandes (Titanes del Pacifico) o pequeñas (como El Espinazo del Diablo) y siempre encuentra seducirnos con sus historias inteligentemente diseñadas, con una puesta en escena cuidada y valiosa y un amor que revela ese lado romántico que siempre lo acompaña. 

Si no han visto La Cumbre Escarlata, VEANLA, es una orden. Sean pacientes con ella. Se toma su tiempo para enamorarnos de a poco. Cuando lleguen al segundo acto ya se darán cuenta de lo que digo.

Trailer:

The Martian (Misión Rescate)

Sinopsis: El astronauta Mark Watney (Matt Damon), un botánico e ingeniero mecánico de la NASA; se ve atrapado en el planeta Marte cuando la tripulación del Ares 3 debe evacuar su lugar de aterrizaje ante una tormenta de arena. Sin su tripulación, se ve obligado a encontrar la forma de regresar a la tierra y sobrevivir confiando en sus habilidades científicas y técnicas. Mientras que sus compañeros astronautas piensan que podría estar muerto, Watney comienza a filmar un diario registrando su estadía en el planeta rojo. Cuando la NASA descubre a través del satélite que Mark podría estar vivo, comienzan a trabajar para rescatarlo.

Honestamente poco ruido hizo la promoción de The Martian (Misión Rescate) en Venezuela (al menos desde donde yo vivo), pero lo bueno fue que trajo muchas y buenas nueces. Parece que Ridley Scott no deja que su mente aterrice. Ya con los proyectos de Prometheus y la conexión de la saga Alien, el director de 77 años, continúa prolongando su presencia en el espacio y la ciencia ficción. 

P.D: Lamento decir que vi The Martian doblada. No condeno el trabajo de doblaje pero ¿es realmente necesario ver doblada una película como The Martian en el cine? Desde el interior del país son muy reducidas las opciones para ver una película. En fin, la función debe continuar.

Ciencia ficción, humor, humanidad

Las películas de Ridley Scott, dependiendo del tema a tratar, siempre están cargadas de muchísima información. Sin embargo aquí se aligera su tono, su modo de contar las cosas. Permite digerir las complejas formulas de la física, química y botánica sin problema. Es como si el director de Thelma y Louise (1991) se encontrara con el de Alien, el octavo pasajero (1979) y crearan un producto que se sitúe entre ambas tendencias: ciencia ficción, humanidad y humor. Scott, con su cara de cañón, puede hacernos pensar aunque también puede hacernos reír.

El personaje de Matt Damon se enfrenta a la intimidante soledad de un planeta desértico como Marte. Podríamos recordar referencias contemporáneas como Moon (2009) y Soy leyenda (2007) en donde un sujeto se enfrenta al aislamiento, al nulo contacto con la humanidad. El resultado: reflexión existencial del ser. A pesar de todo, en este aspecto especifico, The Martian no deja de verse como una gran metáfora a la supervivencia y nos invita a meditar a partir de ello.

El personaje de Damon se toma bastante bien el año y medio que sobrevive en Marte comiendo papas cultivadas por él mismo (¿guiño al vegetarianismo?). Scott se encarga de mostrar a Watney bastante simpático y optimista. Pocas veces padece una verdadera crisis psicológica y emocional. Podría ser justificado por lo ocupado que mantiene su mente durante ese tiempo. Lo que veo es algo así como: sufre pero también la pasa bien. Tanto así que agrada verlo en esa prueba de vida o muerte. 

Un punto interesante y que me genera curiosidad es el personaje de Jeff Daniels como Teddy Sanders, director de la NASA. Preocupadísimo por la fachada publicitaria de la gran empresa espacial estadounidense. Conoce el poder de los medios de comunicación y ante una situación tan compleja insiste en ofrecer información a migajas, tosca, poco argumentada.

Esto puede ser una ventana de lo que es y ocurre dentro de la NASA y la información que comparten con la humanidad.  Meditemos: los países con tecnología espacial son grandes, poderosos, con muchísimo dinero y a su vez muchísimos secretos. Pienso que conocemos la punta del Iceberg. Por supuesto, es difícil pensar que esta tarea se reduzca a una sola persona. Debe existir todo un departamento que suministra (y filtra) la información. Creo que la idea era reducirlo al personaje de Daniels y darnos esa sensación de antagonista. Necesario para la narración fílmica. 

Pelea de gallos espaciales

The Martian ha sido comparada en foros de internet con Interestelar (2014). Claro, apenas vi el tráiler la fórmula referencial para relacionar ambos films era: espacio-Jessica Chastain-Matt Damon. Pero no entiendo por qué se busca enfrentarlas como si fuese una pelea de gallos. 

Considero ambas cintas distintas y a su vez con grandes virtudes. Interestelar me parece que es una historia con una carga emocional más densa y eso hace un poco cuesta arriba la narración de la misma. Es decir, le exige más al espectador. The Martian puede que toque esa fibra emocional pero se desarrolla de un modo más digerible. Tomemos en cuenta que Ridley Scott tiene más experiencia en temas del espacio y ciencia ficción. Mientras que Nolan siempre ha explorado al ser humano y su ciclones internos. 

No creo que Scott haya aceptado hacer este film para restregarle a Chris Nolan que lo que hizo lo hizo mal. 

Esto me hace recordar el patético debate que generó el estreno de Interestelar. Apenas salió a la luz el mundo empezó a despotricar Gravity (2013). Por favor, no estamos hablando de Roland Emmerich o Michel Bay. Creo que las tres cintas son valiosas y cada una es tan importante como la otra.

Ultimas palabras...

En conclusión, recomiendo plenamente The Martian por encontrar un equilibrio narrativo entre el entretenimiento y las circunstancias complejas que padecen los personajes; reinando siempre el valor de la lealtad y la importancia de la relación del ser humano. No todo es humor, aclaro, el último tramo de la cinta es de tensión pura y logra ese sentimiento de satisfacción final al espectador. Por supuesto, sigue siendo Hollywood.

En mi caso, y como ya es costumbre en estos particulares comentarios, espero las cintas de Prometheus y Alien de Ridley Scott. Que la salud y la edad le permitan regalarnos las cuatro películas que tiene pensado dirigir/producir sobre esta saga. 

Además del ridículo nombre en español (Misión Rescate) el "Tráingalo de vuelta" es la peor frase para un póster. Ni que fuese un pote de leche o un saco de harina.

Intensamente

Sinopsis: Riley, al igual que el resto de los demás, es guiada por sus emociones que viven en Cuarteles Generales; el centro de control dentro de la cabeza de Riley. Desde ahí las emociones la ayudan y aconsejan a lo largo de su día a día. Luego de mudarse a San Francisco, tanto las emociones como Riley, tratarán de adaptarse a este cambio que desencadenará la gran aventura de sus emociones más fuertes: Alegría y Tristeza.

Estudiando el buen y mal (o no tan convincente) sendero de Pixar

Por fin vi Intensamente. Y digo esto porque siempre he sido un seguidor de Pixar. Disfruto mucho con sus grandes clásicos cada vez que aparecen por televisión. Sin embargo debo decir que últimamente la empresa había bajado la calidad de sus proyectos. Brave, Cars/Cars2 y Monsters University no son malas cintas, pero por mucho dejan de ser tan memorables como Ratatouille (2007), Buscando a Nemo (2003), WALL-E (2008) o Toy Story (1995).

Intensamente no entra en ese departamento de ultra clásicos, aunque tampoco es una película olvidable. Creo que el sitio al que pertenece se encuentra entre ambos extremos. Es como una cinta que viene a formar parte de un periodo de transición. Quizás una nueva etapa de Pixar, refrescante, rejuvenecida y planteándose nuevas temáticas. Este asunto de las emociones y cómo funcionan me parece una idea original y hasta ambiciosa. 

Ese sería, considero yo, el camino que la gran empresa debería emprender. Aunque paralelo a esto quisiera agregar que me preocupa que Pixar esté cediendo su puesto de material original (algo que siempre he valorado) y se esté dejando llevar por una de las corrientes actuales de Hollywood: las secuelas. Ejemplos: Buscando a Dory o Toy Story 4.

No estoy en contra de sagas o trilogías. Por mi corriente sanguínea se encuentran El Señor de los Anillos y la saga cinematográfica de Marvel. Pero esa idea de que una franquicia no tenga su final a este punto me resulta patética. Si algo es verídico en nuestra existencia es que todo tiene un final y esa manipuladora esperanza de tener continuidad hace que afecte esa idea. Quizás es una apreciación muy personal; pero disfruto ver el cierre de una saga. Que esa interrogante sobre el paradero de los personajes sólo quede en nuestra profunda actividad imaginaria y hagamos nuestras propias películas mentales una y otra vez, hasta que nuestro final llegue. 

Esperemos y veremos.

Espiral de profundas y complejas emociones

Peter Docter dirige Intensamente. Es recordado por haber dirigido Monster, Inc (2001) y Up (2009) y co-escribir WALL-E, Toy Story y Toy Story 2. Es decir, hablamos de un veterano de la animación pixariana. Docter nos lleva por el tema de las emociones con gran profundidad, preocupándose en hacer llegar el mensaje a los dos tipos de audiencia: adultos y niños. En el caso de los niños pueden disfrutar la película más por los coloridos personajes en sí, sus graciosas escenas y las adversidades que padecen. Con los adultos toca la fibra para un análisis más profundo. Ya aclaro más adelante este último punto.

Hay cinco personajes en Intensamente: Ira, desagrado, miedo, alegría y tristeza. Todos operan (si puedo usar esta palabra) a su entrañable huésped, Riley, y tratan de tomar las mejores decisiones para proteger, animar y hacer mejor la vida de Riley.

A lo largo de la historia notamos la importancia de cada una de estas emociones. Pero todo cambia con dos hechos en la vida de Riley: su edad (tiene 11 años y está dejando de ser una niña para entrar en la adolescencia) y el inevitable hecho de mudarse a otra ciudad (cosa que desconcierta e interrumpe su acostumbrada y placentera vida).

Ese gran nudo de la historia provoca el gran problema que sucede en el interior de la mente de Riley. Por otra parte, esto nos hace darnos cuenta de lo radical que son las emociones cuando somos niños. Estamos felices, tristes o frustrados. Pero nunca todo al mismo tiempo. Eso empieza a cambiar una vez que comenzamos a crecer. El crecimiento nos hace ver las cosas con mayor complejidad y esa complejidad hace de nuestro comportamiento algo único. Así se define nuestra personalidad y el balance de todas las emociones es la madurez.

La historia busca principalmente hacernos conocer a dos personajes: tristeza y alegría. Parece en cierto modo una batalla entre el bien y el mal. Pero el film nos lleva a conocer como ambas emociones son necesarias. Obvio, todos queremos la felicidad absoluta, pero no siempre el mundo exterior e interior nos llevan a ese lugar. La tristeza es necesaria para recordar lo relevante de nuestra vida con nostalgia. 

Este es el gran logro de la película; abordar todo el tema de las emociones con tanta sobriedad e inteligencia. Como ven, es un tema un tanto complicado (por eso considero que los adultos la disfrutarán más) pero logra hacernos pensar sobre lo que sentimos. El cómo funciona y cómo lo resolvemos. Está de más decirles que la recomiendo ampliamente. 

Por otro lado, estoy a la espera de The Good Dinosaur (que se estrenará en noviembre) y espero que sea igual de divertida, profunda y satisfactoria que Intensamente.

Trailer:

Todo por la taquilla

Sinopsis: Cuatro amigos (Alfredo, David, Cesar y Manuel) se reúnen para culminar su proyecto soñado, Hostilla, la primera película de vaqueros venezolana. El desarrollo de este proyecto se transforma en una agitada aventura en donde cada uno de los personajes padecerá los infortunios de sus defectos y los tradicionales obstáculos externos para concluir el gran sueño de sus vidas. 

¿Mi tardanza justifica el fin?

Esta cinta se estrenó ya hace semanas en nuestra ciudad. Ya no está en cartelera. Quizás este breve comentario de la película no esté ubicado en tiempo y espacio. Pero creo conveniente tener este registro en el blog debido a varios puntos: (a) Porque el director es oriundo de Trujillo y eso motivó (digo yo) a que filmaran en locaciones de nuestra tierra andina, (b) porque la promoción de la película tuvo como consecuencia que sus realizadores y actores visitaran dos de nuestras universidades (ULA-NURR y la UVM), y (c) porque el día que se estrenó la obra en nuestra ciudad contó con varios miembros del reparto a las afueras de la sala (algo que pocas veces vemos por acá).

Debido a toda esa actividad comparto mi comentario sobre Todo por la taquilla. 

Western a lo venezolano

Todo por la taquilla, ópera prima de Héctor Puche, inicia mostrándonos un pueblo western (muy a lo Hollywood). El duelo clásico entre antagonista y héroe se convierte en un absurdo que marca el tono del film. Esa secuencia es interrumpida para presentar a los personajes creadores del film y explorar lo que ocurre detrás de Hostilla, la épica historia. 

El grupo de los cuatro amigos no congenian, no armonizan ideas debido a sus marcadas personalidades y defectos. El director que carece de autoridad y carácter, el actor que está convencido de ser una estrella innata, el productor que resuelve con lo que sea su propio trabajo y el director de fotografía que jamás concluye un proyecto. Sin embargo su compañerismo termina siendo el motor de esta idea que poco a poco se materializa.

La historia es una sátira a la desorganizada forma (que tienen muchos) de hacer cine; milimétricamente improvisado y descuidado. Lo que me hizo recordar el trabajo de Ed Wood. Aquel director americano que realizó mediocres películas pero que para él eran totales y absolutas obras maestras. ¿Podría ser ese énfasis al trabajo mediocre y de salida fácil una metáfora a la forma de trabajar del venezolano? 

Debo comentar la aparición de Niquitao en la película. Me agradó ver a un pueblo trujillano tan bonito en la gran pantalla (no es la primera vez). El efecto de este paisaje montañoso y frio es una discordia total e irracional a los ojos del clásico y desértico ambiente de una película de vaqueros. Lo mismo ocurre con el vestuario, más cercano a una versión venezolana de Pasión de Gavilanes. En pocas palabras estos elementos enriquecen la sátira de la película. 

El primer acto, lejos de ser perfecto, funciona bastante bien ya que percibimos los ciclones emocionales de sus personajes. Nada profundo, claro está, pero logran entretener. Sin embargo esto no ayuda al forzado ritmo de la historia y la deteriorada edición que debilitan gran parte de las escenas y deja huecos argumentales que se resuelven de manera muy práctica (el personaje de Dimas González es ignorado en la última etapa de la cinta y su final feliz se siente impuesto, nada verosímil). Por otro lado está el humor que en gran parte se reduce a situaciones que buscan la risa fácil; y en la mayoría de los casos no funciona. 

Todo por la taquilla es una película que se aleja de ser pretenciosa. Una producción independiente que busca principalmente entretener y refrescarnos el ánimo a pesar de sus desaciertos. En mi caso espero el próximo trabajo de Héctor Puche; un documental sobre el Rap, la cultura urbana en Venezuela y su aporte artístico.

Trailer

Ant-Man

Sinopsis: Armado con un súper traje que le da la habilidad de reducirse de tamaño e incrementar su fuerza, Ant-Man debe apostar por su héroe interior y ayudar a su mentor, el Dr. Henry Pym, a planificar un robo y así proteger al mundo de una terrible amenaza. 

¿Hubiese sido mejor si...?

Y así como llegó la película a Valera llegué a la función, tarde. Tomemos en cuenta que el film se estrenó ya hace más de un mes y apenas la vi el martes pasado. Obviando esta penosa introducción, confieso que me gustó mucho la cinta que finaliza la fase dos del universo cinematográfico de Marvel. No es perfecta, pero muchos sabemos que pudo ser mejor. ¿que evitó que esto fuera así? Pues, Marvel.

Es muy probable que las deficiencias del film se deban a la salida del proyecto de Edgar Wright. Responsable de películas como The World’s End (2013) y Scott Pilgrim contra el Mundo (2010), trabajó junto a Joe Cornish en el guión de Ant-Man durante 8 años. Cuando iba a iniciar el rodaje de la película, Wright se retiró del proyecto por diferencias creativas con Marvel. Lo que quiere decir que este film pudo haber sido muchísimo más interesante y de una solidez sin igual. ¿Por qué digo esto? Sencillo, Wright es un auténtico geek. Es fan del mundo del cómic y, sabiendo su historial fílmico, lo más seguro es que pudo haber hecho una mejor película.

En fin. La película funciona a pesar de. Y por más pequeña que sea (pequeña para Hollywood), la recomiendo a todos aquellos que siguen o no al mundillo de las historietas estadounidenses. 

Honores al hombre hormiga

Para los que no están sumergidos en el mundo de Marvel y su universo cinematográfico, debemos recordar que el personaje más popular que ha llevado el traje del hombre hormiga (en los comics o series animadas) es Henry Pym, interpretado por Michael Douglas. A pesar de ello, de que su sucesor (Scott Lang) sea el protagonista de esta cinta, se le dedica valioso tiempo y relevancia (justificada) al personaje de Douglas, quien parece engranar emocionalmente con los actores Paul Rudd y Evangeline Lilly.

Ant-Man no es el personaje más famoso de Marvel. De hecho, en ocasiones se subestima por considerar ridículos sus poderes (encogerse y comunicarse con hormigas); un poco lo que ocurre con Aquaman en DC Comics. A pesar de ello, la película se encarga de presentarnos al nuevo héroe de tal modo que nos encariñemos de lo que es y representa. El solo reducirse de tamaño y visualizar ese mundo desde una perspectiva miniatura (amparado por los divertidos y psicodélicos efectos visuales) y el agregado de un peligroso mundo subatómico (que representa el filosófico viaje del ser hacia el infinito) hace de Ant-Man un film que profundiza cuando debe hacerlo. 

Matices del mundo miniatura

Peyton Reed (el director) es reconocido por sus films de comedia. Quizás escogieron a alguien de este perfil para aligerar un poco los densos trabajos anteriores de la franquicia (Thor: El Mundo Oscuro, Capitán America: El Soldado del Invierno y Los Vengadores: La Era de Ultron). Esto generó que gran parte de la película me la pasara riendo. Disfrutaba de cada escena, secuencia de acción y los chistes que les acompañaban. Pero el humor se convierte en algo tan constante que da la sensación de estar en una comedia con momentos serios. Las cintas de Marvel tienden a ser muy graciosas (Guardianes de la Galaxia) pero la balanza aquí se inclinó hacia un sólo lado. 

Compensando lo antes mencionado, Reed logró crear cierto efecto intimista en los personajes utilizando el hogar. El hogar es el escenario en donde ocurre la mayor parte de las escenas relevantes (la familia, diferencias marcadas entre los personajes, escenas de acción). Como si la idea fuera mostrar la gran complejidad y fuerza del personaje, de su universo interno, en un entorno imponente y amenazador. 

Cabe mencionar positivamente el trabajo de Paul Rudd. Sin mucho esfuerzo parece engranar bastante bien con Scott Lang, con sus problemas, su sed de ser mejor y enterrar el pasado. 

Cory Stoll como Darren Cross (Yellowjacket) pasa a ser uno de los villanos más flojos de los films de Marvel. Se le dedica poco tiempo al desarrollo del personaje. Sus ambiciones son sólo resultado de los errores de Pym (por haberlo considerado en un principio para el proyecto Ant-Man). Esto no está del todo mal pero es mero rencor y menos profundidad lo que motiva los planes de Cross. Sin duda la debilidad mayor de la película. Sin un buen villano desaparece esa angustia que uno experimenta al ver el titánico esfuerzo del héroe para vencerlo. La clásica metáfora se va a la basura. 

Aunque debo decir (para seguir compensando) que el enfrentamiento entre Yellowjacket y Ant-Man es una secuencia de lo más entretenida. Creo que se debe al especial gesto de parodiarse a sí mismos mientras se movilizan de un escenario a otro. La maqueta/ciudad siendo destruida por Yellowjacket no sólo encuentra reírse de las películas de Marvel, sino de otras innecesarias creaciones del blockbuster actual.

Cosa que causa algo de ruido visual es la acelerada edición cuando Lang aprende a usar el traje. Interrumpe abruptamente escenas que tienen cierto peso emocional (los momentos de Douglas y Lily, por ejemplo). Sin embargo, el montaje vuelve a tomar un curso más fluido al finalizar esta etapa. 

Por último quisiera mencionar que me agradó que la película diera esa sensación de ser conclusiva. Sabemos que Ant Man continuará teniendo apariciones, pero la historia cierra sin dejar esa sensación de que sólo ha sido una película conexa. 

Ant-Man demostró ser  interesante y entretenida a pesar de sus fallas. De esas cintas que introducen a estos héroes, considero que Ant-Man está muy por encima de Capitán América: El primer vengador (2011) y Thor (2011). También me atrevo a decir que me entretuvo más que Los Vengadores: La era de Ultrón. Quizás me linchan por eso. Quizás se deba a mi recalcitrante negación de aceptar el 3D. Ok, ok, quizás deba volver a verla.

Mientras tanto espero impacientemente Capitán América: Civil War. Hasta el momento parece ser el gran proyecto épico de Marvel después de la primera cinta de los vengadores. 

Trailer:

Misión Imposible: Nación Secreta

Sinopsis: La CIA le hace la vida imposible a la FMI (Fuerza de Misiones Imposibles); al punto de querer desmantelar por completa la agencia en la que opera hace años Ethan Hunt. Paralelo a este problema, y pese a las limitaciones que el primer conflicto genera, Hunt deberá juntar a su equipo para enfrentar a “El Sindicato”, una nueva amenaza terrorista que busca crear un nuevo orden mundial. 

Algunos cosillas antes de…

Nunca he sido un fan de la saga Misión Imposible. Sin embargo he visto todas sus películas con total empatía y, en la mayoría de los casos, han resultado ser buenos blockbuster: entretenidos, divertidos y llenos de sus esperadas escenas de acción y tensión.

El personaje Ethan Hunt, siempre con una sobriedad y habilidades supremas, es la clave de que la franquicia perdure. Es un icono del cine moderno. Y, ah claro, Tom Cruise. Como olvidar al inigualable actor que continua asombrándonos al realizar la mayoría de las acrobacias que exige el guión y así generar autenticidad a las escenas.

Christopher McQuarrie vuelve a hacer equipo con Tom Cruise dirigiendo Misión Imposible: Nación Secreta. Ambos trabajaron en Jack Reacher (2012); pero como no vi la película de Jackie me voy a lanzar a hablar única y exclusivamente de lo que ambos lograron en esta nueva película. 

Fui a ver Misión Imposible: Nación Secreta (2015) con bastante expectativa. Su predecesora, Misión Imposible: Protocolo Fantasma (2011), resultó bastante bien. La incorporación de Jeremy Renner, Paula Patton y la permanencia de Simon Pegg (quien ingresó a la franquicia en la 3ra entrega) dieron frescura al elenco. Además, no olvido la escena de acción en Dubai que es sin duda una de las mejores logradas de toda la saga. 

Sin embargo no puedo decir lo mismo de la cinta en cuestión. Tengo varias quejas a pesar de que logró entretenerme. Muchas cosas me hicieron ruido visual y trataré de explicar lo mejor posible todas ellas.

Empezaré primero por lo bueno…y luego a esmechar

Punto a favor: la actriz sueca Rebecca Ferguson como Ilsa Faust. ¿Es buena o es mala? Su condición anti heroína desorienta y mantiene un ambiente de intriga la mayor parte de la película. Por lo general en estos films existen dos chicas, la buena y la mala (al mejor estilo Bond). Ferguson, con soberbia y sensualidad, desempeña ambas facetas y el resultado no puede ser mejor. Engaña a Ethan, engaña al villano principal (Sean Harris) y engaña a la audiencia. 

Por tratarse de Misión Imposible nos encontramos con mucha acción. La escena del avión (ejecutada por el mismo Cruise), las carreras en moto y la secuencia acuática bajo la planta eléctrica cumplen su función a cabalidad. 

Pero debo decir que hubo cosas que no me convencieron de este film. Para empezar, esa inseguridad que nació en el personaje de Ethan en la película anterior, que le generaba dudas al momento de hacer una gran hazaña o acrobacia (que evidentemente era por motivos a su ya avanzadita edad) desaparece completamente. Ethan se rejuvenece de la noche a la mañana. No titubea para realizar nuevos retos. Ese aspecto, que me parecía valido y muy necesario, lo desecharon sin siquiera tomarse la molestia de explicarlo. O sea, el tipo está aún más viejo pero el miedo que tenía hace pocos años desaparece; y además parece tener la misma destreza y energía de las primeras entregas.

Otro punto poco convincente fue el manejo del reparto. Esperaba que el regreso de Ving Rhames fuera más significativo. No es la estrella de la película pero al menos su presencia y agraciada rudeza hacían que valiera la pena estar en cámara. En este caso hace pareja de aventuras con Jeremy Renner pero ambos actores no congenian. Rhames sólo exclama algunas frases y levanta la voz para defender a Ethan. Creo que habría funcionado mejor con Simon Pegg.

En el caso del personaje de Renner lo vemos persuasivo, muy hablador y aparentemente dispuesto a actuar; pero hace poco para las exigencias que tiene. Luego de todo lo que padeció para ingresar al club de Ethan sólo tiene misiones poco arriesgadas. ¿En algún momento lucha contra alguien? No recuerdo.

Puede haber una similitud entre esta película y la anterior con respecto a la que ocurre con la FMI (Fuerza de Misiones Imposibles). En Nación Secreta hay un proceso por parte de la CIA que desmantela temporalmente dicha agencia. En Protocolo Fantasma prácticamente se diluye y el equipo de Ethan termina trabajando con lo que hay en un vagón de tren. Esa similitud termina cuando veo más tortuosa y cuesta arriba las dificultades de Protocolo Fantasma. Hay una formula intrínseca, eso lo sabemos, mucho de lo que ocurre es predecible, pero creo que en Protocolo Fantasma nos hicieron creer que eso podía cambiar. Además, confieso que en esta quinta entrega, durante ese momento de calma antes de la acción (que suele durar unos 40 min), la película se torna aburrida. Casi ni recuerdo bien que pasaba en esos momentos. 

Sí, estoy comparando mucho ambas películas; pero son la continuidad inmediata. Creo que no se conservó la lucidez y el dinamismo que había conseguido Brad Bird (director de Protocolo Fantasma). Es el riesgo de tener un director distinto para cada film. A veces funciona, a veces no. 

Nación Secreta no será el film más memorable de la franquicia. Su sentido del humor (escaso en esta entrega), las escenas de acción y la puesta en escena clásica de la saga logró mantenerme en el asiento. 

A mí me entretuvo, de verdad, pero es muy probable que produzcan una sexta entrega y creo que seguir este sendero orientará la franquicia a algo genérico, con personajes poco memorables; no es un digno rival para competir contra Marvel o Dc Comics (este último que ya se las trae). 

Espero que Tom Cruise lea esto y llame de nuevo a Brad Bird.

Sendero cinéfilo

Hace algún tiempo escribía en un blog llamado Fotogramasypalabras. En él publicaba comentarios sobre películas, cosas y/o vainas (dependiendo de la calidad). Recuerdo que muchas de esas notas fueron publicadas durante un año (2010) en el diario El Tiempo que circula en el estado Trujillo. También fue la antesala de mi primer programa radial Hablemos de Cine, que salía a través de la emisora Unica 99.9Fm (en el 2011, creo). 

Por alguna razón he querido retomar la labor de hablar del cine a través de la red. Quizás sea algo necesario o tal vez me estoy tomando demasiadas libertades y termine desterrado de toda actividad fílmica.

Para darle un verdadero giro a esta nueva etapa quiero comenzar diciendo que considero al cine como un asunto serio pero que también cumple la función de entretener. Creo que se puede encontrar un punto medio en el que no seamos patéticos superficiales o aburridos intelectuales al momento de hablar de un film. Hablemos de cine tranquilamente, con sobriedad pero sin tanto rollo. 

Este espacio será el complemento de un programa radial. Pronto daré la información completa del mismo. 

Aprovecho para agradecer a Marco Terán por ayudarme en el arte de este nuevo proyecto. Siempre he pensado que su visión del diseño ha marcado un antes y un después en el arte moderno de Valera. 

¿Que por qué Avenida Cine? Simple, las primeras películas que vi (y cambiaron) en mi vida fueron en el Cine Avenida, ubicado en la Av.6 de Valera. El último cine artesanal que existió en nuestra ciudad. Hoy día es el Teatro Salesiano, y funciona para eventos culturales y convenciones. 

Si, es nostálgico y hasta cursi, pero creo que dejé mucho en ese cine y ese cine dejó mucho en mi.