Spotlight (2015)

Sinopsis: Basada en hechos reales, esta es la historia de cuatro periodistas del Boston Globe y su trabajo de investigación que reveló, en el 2002, evidencias ocultas por parte de entes legales, gubernamentales y la Iglesia Católica, para ocultar una amplia lista de sacerdotes inmersos en actos de pedofilia. 

Spotlight es una cinta que no conserva las características icónicas del resto de las nominadas a los pasados Premios de la Academia. No como Mad Max y The Revenant, que son films en los que se encuentran elementos únicos que las distinguen enseguida. Ya sea por su diseño artístico, el cuidado estético y de profundidad de sus personajes, la fotografía, etc. Quizás por eso fue un poco sorpresivo que ganara el Oscar a mejor película.

Cine, periodismo y verdad

Lo realmente importante de Spotlight es el tema que se compromete a narrar. Quizás sus personajes no sobresalgan demasiado (obviando el trabajo de Mark Ruffalo y Stanley Tucci; a mi parecer los más relevantes), pero esa sed apasionada de acercarse a la verdad los hace notarse en pantalla. 

No es un documental, la historia quizás no está contada al pie de la letra, pero Spotlight es hija de cintas claves y comprometidas, como Todos los hombres del presidente (1976), que nos recuerdan que el periodismo es una profesión delirante, entre otras cosas, por su incansable esfuerzo por acercarnos a la verdad y, por qué no, el reclamar justicia. 

Otro ejemplo también lo es State of Play (2009), en donde vimos por primera vez a Rachel McAdams como periodista. Quisiera agregar brevemente que no sentí que su actuación fuese tan significativa como para una nominación. No es mala pero tampoco es abrumadoramente resaltante; como deberían ser los nominados en estas categorías. Sigo pensando que Charlize Theron debió ser reconocida por su trabajo en Mad Max: Fury Road (2015). 

Spotlith reivindica un tema que está de más decir que es controversial. La gala de premios estuvo orientada al tema racial, pero la película ganadora alza su voz ante el abuso sexual a menores perpetrados por sacerdotes. Quizás sean temas distintos, pero ambos coinciden en ser claros ejemplos de injusticas que hoy en día se siguen combatiendo. En el caso de Spotlight, el punto es simple, la Iglesia (junto a otras instituciones y personalidades cercanas a ella) se lava las manos (tal cual Poncio Pilato), de los crímenes que miles de sacerdotes han cometido. ¿Cómo lo hacen? Lo ocultan, lo ignoran. 

“No se puede condenar a la Iglesia por unas manzanas podridas”; parafraseo una de las frases de la película. La verdad es que esas “pocas manzanas” resultan ser hectáreas y hectáreas de cultivos de una conducta retorcida que permanece vigente y que la Iglesia ha manejado de la forma más hipócrita posible.

Al mismo tiempo la cinta enfoca su mirada a la auto critica que se hace el diario, quien había recibido (años antes de que se conociera el tema) varias e importantes denuncias de parte de las victimas. Sencillamente hicieron a un lado el tema. Meterse con la Iglesia depara demasiada energía y el Boston Globe no estaba preparado, o interesado, al momento de recibir  dicha información. La espera cobró un alto precio.

Repito, Spotlight es una cinta que puede no tener esa iconografía que la hace memorable, pero su tema, abordado con sobriedad y tenacidad, la hacen una historia indispensable de ver. El artículo fue publicado en aquel 2002 y así la Iglesia quedó al desnudo; este film es la continuidad artística de un trabajo tanto memorable como necesario.

Trailer:

P.D: Gracias por leer, muchacha. 

Deadpool (2016)

Sinopsis: Basada en el antihéroe más carismático de los cómics de Marvel, “Deadpool” relata la historia de Wade Wilson, un antiguo operativo de las fuerzas especiales convertido en mercenario. Tras ser el sujeto de un experimento que le otorga el poder de curación acelerada, adopta el alter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un retorcido sentido del humor, Deadpool se propone dar caza al hombre que casi destruye su vida.

Deadpool es una de las cintas de superhéroes más esperadas de este año. No es para menos. La campaña publicitaria ha sido de lo mejor en mucho tiempo, y contando con la calidad de la cinta, tiene como resultado un muy buen número en taquilla a nivel internacional. 

Con Deadpool Fox le está diciendo al mundo “nosotros podemos hacer buenas películas de Marvel sin Marvel” (X-Men: Días del futuro pasado es otra prueba de ello) Deadpool es la cinta que esperábamos del excéntrico y divertido personaje de la tan afamada historieta. 

Ryan Reynolds era el actor perfecto para este personaje. No tiene particularmente una carrera exitosa. Se rescatan pocas cosas, como Buried, pero en líneas generales siempre sus proyectos apuestan a su estatus de galán antipático y soberbio en donde encaja para comedias románticas de limitada calidad. Esto sin olvidar inicio por el cine de súper héroes, como la desfachatez visual de Linterna Verde y su primera incursión como Deadpool en X-Men orígenes: Wolverine. De todo eso la cinta se mofa a más no poder. Como si el actor hubiese hecho equipo con el personaje del comic, esto hace que el film le haya dado un nuevo giro a la carrera de Reynolds. 

Deadpool es un personaje interesante. Un antihéroe muy peculiar. Es poseedor de un sentido del humor tan agudo que comparte cualquier cantidad de ocurrencias para burlarse de él mismo y lo que le rodea. Deadpool es eso, es la irreverencia llevada al límite, un sinvergüenza, un amante de la ironía y el chiste. El personaje es el sendero para que sus creadores, guionistas de turno o el director actual, Tim Miller, exploren el terreno de la irreverencia y así hasta mofarse del estudio que financia el proyecto. Esa particularidad de romper con la 4ta pared (hablarle al público) y estar consciente de que es un film y puede hacer comentarios sobre todo lo que le dé la gana, es fascinante. El chiste del Profesor X es de los mejores. 

Sobre el amor, qué no se logró y otros datos

En un sentido general la veo como una comedia romántica con severas dosis de acción. Wade Wilson y Vanessa hacen una pareja retorcida pero al mismo tiempo simpática, original, entrañable, que se disfruta ver en pantalla. Reynolds y Morena Baccarin tienen una química espontanea, completamente natural. No como otras parejas que nos dejan con un gran signo de interrogación en el cerebro. Esto limita, creo yo, un poco la historia, que es bastante sencilla y lo hace todo muy predecible. Pero uno la pasa tan bien viéndola que deja de importar. Esta es una cinta realizada para divertirnos, para ser una ametralladora de chistes. De hecho, hay que tener conciencia de varias cosas del mundo pop o el acontecer del mainstream para entender muchos de los chistes. (El Soundtrack no puede ser mejor. Apegado 100% al personaje. Super irónico y gracioso. Nada más con tener a Wham! es mucho) 

Lo único que no logra la cinta es darnos un buen villano. Ajax es clásicamente patético y pasa sin pena y sin gloria. Por otro lado, divierte la inclusión de Coloso y su joven aprendiz Negasonic en el film. Deadpool sin querer queriendo simpatiza con el grupo conocido como Los Hombres X. Recordemos que Deadpool pertenece al universo cinematográfico que ha creado FOX; en donde se encuentran los X-Men. 

Se debatió mucho el hecho de la censura. En Venezuela es Clase B, mayores de 16. Y la cinta tiene escenas de sexo y desnudos, mucho lenguaje obsceno y enfrentamientos violentos y sangrientos. El director tuvo libertad para mostrar lo que cualquiera cinta de Tarantino haría (muy a lo Kill Bill, así de sangrienta). Esto hubiese sido imposible lograrlo con Marvel que ya está empatado con Disney. Por lo tanto, no está tan mal que personajes de Marvel pertenezcan a otras empresas audiovisuales. 

Ya se anunció su secuela y por supuesto que espero para verla. Seguramente ustedes ya la vieron y si no es así no es esperen más. Si viven en Vzla y les gusta el cine de superhéroes y quieren reírse un muy buen rato, esta es la mejor medicina para ello.

Trailer:

La Quinta Ola

Sinopsis: Una invasión alienígena se dispone a exterminar todo ser humano que habite el planeta tierra. Cassie Sullivan, una joven adolescente, logra sobrevivir a este ataque y debe encontrar la manera de continuar con vida para rescatar a su joven hermano Sam. 

Pues…recientemente fui a ver La Quinta Ola. Aclaro que no tenía ni idea de que se trataba la película. Tengo un vago recuerdo de haber visto el tráiler en alguna oportunidad, pero es todo. Aun así en ningún momento le tuve grandes esperanzas; pero tampoco pensé que iba a ser una completa pérdida de tiempo.

La primera hora es un refrito de lo que ya estamos acostumbrado a ver en los Blockbuster de Hollywood. El mismo patrón: Alienígenas. Destrucción de ciudades. Escenario post-apocalíptico. Cambio de la cómoda actitud citadina a la de superviviente; a lo Rambo, pues. Y bla, bla, bla.

Durante todo ese momento todo bien. No despertaba demasiado interés la historia; como les digo, era un refrito tras otro, aunque no daba sueño. Pero al momento de sacar a la luz los esperadísimos secretos que oculta el film la cosa se pone mal; bien mal. 

Los alienígenas, a quienes los humanos llaman “Los Otros”, se las ingeniaron de la mejor manera para acabar con la vida en la tierra: eliminando la energía eléctrica del planeta, provocando desastres naturales y además poderosas epidemias. Luego de eso, de demostrar todo su desbordante poder, se disponen a matar humanos con armas de fuego humanas. Con una maldad que resulta infantil. Ni los extraterrestres de Día de la Independencia eran tan ridículos. Al menos eran más amenazantes y causaban un particular temor su aspecto de langostas. Por cierto, su secuela promete ser lo peor de lo peor. La veo nominada en los Razzies.

Volviendo al tema, La Quinta Ola contiene efectos especiales malísimos, atracciones amorosas banales (Crepusculosas) y personajes que no logran ser memorables. Escritos por encimita. Si acaso se encargaron de sus atuendos. Ya en el clímax de la historia, con la incorporación del personaje Evan Walker, la película pasó a llamarse Un alíen enamorado.

De comparaciones, Best Sellers y fórmulas trilladas

Este quizás fue un proyecto en el que Chloë Grace Moretz vio la oportunidad de probarse a sí misma y llevar una película ella sola. Honestamente su interpretación no tiene contundencia. Es raro, ella me fascina en Kick Ass. Uno se enamora de ese personaje (y de Moretz, claro) a pesar de lo amenazadora y punzante que puede llegar a ser. La diferencia es que Kick Ass es una cinta que está mejor escrita, mejor hecha. Es un poco más arriesgada. En cambio La Quinta Ola…

Lo siento por Moretz, pero la eligieron para que hiciera la mala copia de un producto ya realizado y por mucho superior: Jennifer Lawrence y la saga de Los Juegos del Hambre.

No es exacta la historia, ni las condiciones en la que se desarrolla, ni tampoco el tratamiento de la historia o lo que busca develar. Pero nada más ver a jóvenes/niños recibiendo entrenamiento militar para ser soldados y enfrentarse a X amenaza es una clara referencia. Púbers de distintas razas, matando y muriéndose en peligrosas aventuras, sobreviviendo a un mundo salvaje; sólo faltaba que le dieran a Moretz un arco. 

La Quinta Ola está basada en la novela homónima de Rick Yancey, que como es de esperarse, forma parte de una trilogía. Otro Best Seller que se dispone a seguir la fórmula que ya conocemos: "Escribimos el libro y luego hacemos la peli. La última la dividimos en dos partes".

Ojo, a mí no me molesta que existan estos proyectos. A fin de cuenta su finalidad es entretener. Pero como ocurre en estos casos no siempre la fórmula funciona. Y no siempre todos quienes copian la susodicha fórmula se hacen notar. La mayoría son olvidados; como ocurrirá con The Maze Runner. 

Además, es fatal que tantos productos cinematográficos de Hollywood tengan el mismo formato de trabajo. Hace falta más películas con guiones originales. Que no se conciban únicamente de una novela medianamente buena. Que busquen entretenernos pero al mismo tiempo decirnos algo; con inteligencia y creatividad. Como Titanes del Pacifico, por ejemplo.

Por último…

Por más que la publicidad nos envuelva (cosa que se ve poco en Venezuela y menos en Valera) y los poster y tráilers sean los más llamativos del mundo, el producto final, en este caso, es malo. Muchas veces se es injusto con la audiencia; se le subestima mucho. En la sala la gente se reía de la película, precisamente por lo absurda que era. Por vender algo que no es lo que parece. 

En fin. Lo más probable es que La Quinta Ola tenga sus secuelas. Al menos que alguien sensato en Columbia Pictures cambie de idea. Es poco probable que vaya a verlas. Es poco probable que funcionen.

Trailer:

Point Break (2015)

Sinopsis: Luego de una amarga experiencia, Johnny Utah (un retirado deportista extremo) decide alistarse para ser un agente del FBI. Paralelo a esto un grupo de delincuentes realizan una serie de crímenes con características inusualmente extremas. Un deportista llamado Bodhi es el primer sospechoso. Esta es la oportunidad para que Utah demuestre sus habilidades y se infiltre en el entorno de este personaje del cual tiene la certeza que es el autor intelectual de esta nueva irregular serie de crímenes.

Debo comenzar diciendo que soy un alto fan del film que inspira Point Break, es decir, el Point Break (1991) original, el de Kathryn Bigelow. La he visto millones de veces en televisión. Me entretienen sus escenas de acción/aventura, sus personajes y sus conflictos; incluso Patrick Swayze hizo un honesto esfuerzo para figurar como antagonista trayéndole buenos resultados (tomando en cuenta de que quería desligarse un poco de esa caratula de galán de Hollywood).

Por lo tanto inicio este comentario diciendo que no me gustó su remake despertando una interrogante ¿era necesario hacer esta película? Porque la verdad es que carece de sustancia, es entretenida en ocasiones aunque completamente olvidable.

Entre lo viejo y lo actual: actores y personajes 

Me sumergiré en el imperecedero terreno de la comparación porque hablamos de un remake (que raro Hollywood). Y si realizan un remake al menos debe buscar ser memorable y justificar su existencia; ya sea porque quiera enaltecer a través de la nostalgia el film pasado o porque quiera aportar algo novedoso tomando como base la historia antigua; por supuesto, con temática actual. 

En este caso quiero centrarme en un aspecto específico: la ideología de los atletas-deportistas-criminales-extremos. En la cinta original de Bigelow sabemos que lo que motiva las acciones de los delincuentes va más allá de robar bancos. Su objetivo es precisamente desafiar el sistema, al establishment. Queda demostrado en el uso de máscaras de los ex presidentes americanos Nixon, Reagan, Johnson y Carter cuando realizan los robos. Esa acción ya es icónica y además notamos que los surfistas delincuentes sabían lo que hacían y representaban. Todo por medio de acciones. En la cinta actual reivindican tanto este dato en los diálogos que ya en la quinta mención se pierde el interés por esa ideología. 

Otro punto en contra es su protagonista, Luke Bracey. Es sin duda el rostro bonito que nadie recordará luego de la proyección. Quisiera pensar que el joven actor se esforzó bastante para desempeñar el papel pero la verdad es que en cada escena queda eclipsado por sus compañeros de reparto (como las escenas con Delroy Lindo, por poner un pequeño ejemplo). Bracey necesita cargarse de más pasión para desempeñar su carrera como actor; de esa pasión que profesa en muchas ocasiones su personaje, pero que él, en la pantalla, no demuestra. Sé que leerá mi concejo. 

Eso debilita un aspecto que tiene fuerza en la película original: la dualidad entre el protagonista (Utah) y el antagonista (Bodhi). Keanu Reeves no es particularmente un actor con un amplio rango actoral, pero si se nota un compromiso mayor con el personaje. Poco a poco esa vida de libertad plena le seduce. Ese nuevo sentimiento constantemente le remuerde la conciencia. Bracey es bastante flojo y su interacción con Edgar Ramírez no convence. No se percibe ese debate entre hacer lo correcto y seguir sus instintos y su corazón. El nuevo Utah se va de vacaciones con los delincuentes. Al final de una de sus aventuras recuerda que es un agente infiltrado del FBI. Creo que, en primer lugar, fue un error hacer de Utah un fenómeno del deporte extremo.

Edgar Ramírez es quien logra despertar el interés por la película. El actor venezolano encuentra darle profundidad a Bodhi. El amor desbordado por la naturaleza y su actitud desafiante para retarla en incontables aventuras lo perfilan como el personaje más completo de la película. No demasiado complejo, hablamos de una cinta ligera, de cotufas y refresco (soda); pero es evidente que se puede tener mejores resultados si grandes actores participan en este tipo de proyectos. 

Hablando de Ramírez. Casi no me extraña que al personaje le dieran un origen venezolano; ya eso lo hicieron en Domino (2005), aquella cinta de Tony Scott que le abrió las puertas al actor tachirense al mercado internacional. Hablo de este tema porque pensé que el cierre de la película sería en el Salto Ángel. La omnipresencia de dicho paisaje natural creo que hubiese sido el mejor escenario para cerrar la agitada aventura. En cambio la historia concluye con una parodia del primer film. 

En conclusión…

Point Break logra entretener con todas sus escenas de aventura. Es el fuerte de la narración porque cuando no se está esquiando o escalando las escenas son aburridas y hasta incoherentes. Si les da tiempo de encariñarse con el personaje de Teresa Palmer, me avisan. La chica es preciosa, sin duda, pero sus tres o cuatro apariciones no generan peso en la historia ¿Y ese desdichado final? ¿Realmente hacía falta que la mataran? Ups, spoiler, se me chispoteó. 

Creo que en líneas generales se puede perfilar de dos formas lo que termina siendo el Point Break actual. Por una parte es una cinta Cool. Una colección de imágenes lindas, muy pop, de aventura salvaje publicitaria. Muy a lo Rápido y Furioso. Detalles como el uso constante del Drone (elemento audiovisual de moda) o la aparición de Steve Aoki son muestra de ello. Por otro lado es una cinta que, a pesar de llevar todo a un nivel mayor, más extremo y con más desafíos físicos, la forma (aparatosa y soberbia) queda corta al lado del fondo.

Trailer:

Paquete #3

Sinopsis: Esta historia cuenta la vida de El Cholo, un peruano que busca oportunidades de trabajo en Venezuela (si, en Venezuela). El Cholo termina trabajando como asesino a sueldo, junto a varios compañeros que también son inmigrantes. El valor de la vida y el poder de quitarla transformarán, poco a poco, la perspectiva de este peculiar personaje. 

Un poco de historia

Alfredo Hueck es recordado por dirigir Bloque 1, el primero de dos mediometrajes que conforman el film Bloques (2008); protagonizado por Dimas González quien representa a un solitario hombre cuyo apego al alcohol lo hace buscar amor en lugares y personas equivocadas. Empiezo mencionando su anterior proyecto porque recomiendo ver este trabajo; en el mismo se visualiza esa narración fresca pero a la vez densa que busca retratar el director caraqueño. 

Ahora si hablemos del paquete en cuestión

Tantas películas nacionales se han dedicado a hablar de la delincuencia y violencia (desde los años setenta) que nos hemos acostumbrado o aburrido de ellas. Lo vivimos, lo padecemos, lo vemos en pantalla pero el problema persiste. Era necesario un cambio en el discurso, en el formato cinematográfico con respecto al tema. Es ahí en donde entra Paquete #3, que presenta de una manera innovadora la propuesta de contar el trillado tema. 

Una de las cosas valiosas de Paquete#3 es la elaboración de un universo cinematográfico. El film no pretende “parecer de verdad”, más bien recrea a través de sus pintorescos personajes una Venezuela alterna que padece los mismos problemas que nosotros. Como si esa realidad paralela fuera sacada de uno de esos multiversos que vemos en los comics. Aquí, por ejemplo, vemos a Emilio Lovera ser un narrador comprometido con la audiencia, tratando de darle coherencia a la trama que es tan compleja como el funcionamiento del país en el que vivimos. 

El trabajo de post producción es un protagonista más del film. La edición dinámica y los efectos visuales (muchos funcionan para censurar, creativamente, las muertes) encajan perfectamente con el personaje de El Cholo. Ese surrealismo que experimenta, mientras sueña o medita en su mugriento cuarto, recrea perfectamente el absurdo que vivimos a diario con nuestras dificultades. Esta forma de hacer cine en nuestro país, más arriesgada, que apunta a expresar cuidadosamente lo que se tiene en mente, sin tanto prejuicio y confiando en la audiencia venezolana, es algo que se agradece. 

Toda el área de producción es impecable. La cinta fue rodada en Mérida pero el escenario pinta más bien como tierra de nadie, desolada y lúgubre; el paisaje perfecto. Debo hacer mención especial al vestuario y diseño de arte que resultan verosímiles y se aleja de esa puesta en escena artificial y nada convincente que he visto en muchas películas venezolanas. 

La cinta no sería nada sin las actuaciones. Por momentos se siente como una película coral. Se le da espacio a cada uno de los personajes y hay oportunidad de encariñarse (o arrecharse) con ellos. Siento relevante el trabajo de Beto Benites, Emilio Lovera, Vicente Peña y Guillermo Londoño como Mirapalcielo.

Recomiendo Paquete #3 por ser una cinta arriesgada, entretenida y e inteligente. Afortunados aquellos que pudieron verla. Quienes aún no la han visto, consulten a su Barba Negra más cercano.

Trailer:

Star Wars: El Despertar de la Fuerza

Sinopsis: 30 años después de los acontecimientos de El Retorno del Jedi, la Primera Orden (antes llamado El Imperio Galáctico) continúan su labor de conquistar la galaxia entera, esta vez liderados por el temible Kylo Ren. Un Stormtroopers, bastante particular , llamado Finn deserta ante las ordenes de la Primera Orden  y escapa junto a un piloto llamado Poe Dameron. Esta nueva aventura le llevara a conocer a la recolectora de chatarra Rey y juntos se involucrarán con la Resistencia y formarán parte de la invaluable misión de encontrar al ultimo Jedi de la historia.  

Star Wars: El Despertar de la Fuerza, la película más esperada del año (y quizás la más esperada en muchos años) llegó a Valera y no pudieron consentirnos más porque no podían. Compramos la entrada con un día de anticipación al estreno, pudimos verla en 2D y además, ¡subtitulada! Esto es un regalo inmenso tomando en cuenta que los Blockbuster siempre llegan con el audio alterado por el doblaje y en 3D. Y claro, es la única opción en materia de cine en la ciudad de las siete colinas.

Las expectativas con respecto a esta cinta, que inicia una nueva etapa en la franquicia creada por George Lucas, eran altas y la película estuvo en las nubes desde el inicio. 

Lo nuevo y viejo en un trascendente viaje

Los nuevos protagonistas, nuevos héroes de la historia, son una merecida y bien escogida generación de relevo. Daisy Ridley como Rey, John Boyega como Finn, Oscar Isaac como Poe Dameron y por supuesto la incorporación del entrañable robot BB-8. Es la reformulación del equipo de amigos aventureros que vimos en la primera trilogía y que jamás vimos consolidarse en la segunda. Personajes diseñados para ser parte de este inesperado reto: románticos, graciosos, simpáticos en pantalla y profundamente temerarios. Los actores logran interactuar de manera muy fluida, logran una convincente relación entre ellos y se conectan magistralmente con los héroes veteranos.

Harrison Ford como Han Solo, Peter Mayhew como Chewbacca, Carrie Fisher como Leia, Anthony Daniel como C3PO, Kenny Baker como R2D2 y claro, Mark Hamill como Luke Skywalker. Vale decir que son efectivamente los mismos personajes 30 años después, con sus pesadas y acumuladas vivencias a flor de piel; y rescato enormemente la dignidad con la que fueron puestos en pantalla. No son apariciones casuales, cameos o ganas de cumplir un simple capricho. Son leyendas de cine contemporáneas, tienen sus momentos de peso y J.J Abrams, sabiendo esto, siempre justifica con especial equilibrio narrativo sus apariciones en pantalla.

Adam Driver es Kylo Ren, sin duda un poderoso e intimidante villano. Perfecto relevo de Darth Vader (incluso es una amenaza mayor). Y al igual que este último, con profundos y emocionales secretos que lo llevarán por un sendero doloroso que no logra eludir, característico de un Sith.

Orquestando la dirección y propuesta visual 

Ahora, centrándome en el trabajo de J.J Abrams, está de más resaltar su estupendo trabajo. No es una cinta perfecta, pero el director logra generar el mismo efecto de emociones en crescendo de la primera trilogía. Cuida que la historia la proteja un aura nostálgica, pero al mismo tiempo busca recordarnos que así como el pasado forma parte del presente el futuro sigue siendo importante. No solo para defender el bien de las perpetuas amenazas del mal, sino para honrar la labor de los héroes del pasado y construir un camino digno a los que vendrán. En este sentido, creo que es la metáfora que más contundencia tiene la película. 

Otro elemento que me sorprendió gratamente fue el respeto por el maquillaje y los titiriteros para recrear los alienígenas y criaturas del espacio. Hay personajes muy bien diseñados a través de computadora: como Snoke, interpretado por el ya profesional en esta herramienta virtual, Andy Serkis y Lupita Nyong’o como Maz Kanata. Pero llenar la pantalla del recurso digital hace que las películas pierdan esencia y verosimilitud. El Despertar de la Fuerza nos recuerda que los efectos especiales deben ser usados en su justa medida y que poblar las escenas con tantos personajes y paisajes elaborados a computadora sólo produce un agotamiento visual de la estética del film. 

La película es predecible en muchos casos, es cierto, pero cuando se revela lo que esperamos no perdemos la capacidad de asombro. Esto se debe a la forma en la que está hecha la película; sin ser pretenciosa en su argumento pero dándonos la suficiente carga dramática y aventurera para divertirnos y pasarla bien mientras vivimos la experiencia Star Wars. 

Uno de los mejores regalos de navidad. La nueva saga inicia con buen pie; esperemos que su caminar siga teniendo ésta decidida, segura y firme manera de relatar. Hollywood, ya hace varios años, bombardea mundialmente las salas de cine con remakes, spin off, secuelas y precuelas innecesarias. Esperemos que este respeto que se le ha tenido a los fans (y la audiencia en general) con El Despertar de la Fuerza sea una lección para la gran industria de occidente y el interesado público.

Trailer:

La Cumbre Escarlata (Crimson Peak)

Sinopsis: Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra y recuerda.

Sugerencia: pueden leer el comentario mientras escuchan:

Me emociona tener que escribir sobre esta película porque es la primera vez que escribo sobre un proyecto de Guillermo del Toro. Sí, soy fan. Y si les empalaga eso pueden darle click a la X en la parte superior de la pantalla. Pero, si en cambio, eres fan de Del Toro y puedes, como yo, hacer un balance de sus mejores y no tan mejores obras, pues te invito a que leas este artículo. 

Confieso, a pesar de que me duela en este momento, que el primer tráiler de La Cumbre Escarlata no me convenció mucho. Me decía “esto es muy Tim Burton” (ojo, hay varias obras de Burton que me gustan). Pero como se trataba de Del Toro sólo me advertí: “esperaré a verla”.

Que equivocado estaba. La Cumbre Escarlata resultó ser una película que me sedujo completamente y me alegra poder haberla visto en el cine.

Este tipo de películas de Guillermo creo que son mis favoritas. Van por la línea de El Espinazo del Diablo (2001) y El Laberinto del Fauno (2006) (y creo que también de Cronos), aunque tiene, como todas, su insignia, su discurso propio y su identidad.

Quizás mi poco convencimiento al saber de este film se deba a que nunca había visto un film de Del Toro tan oscuro visualmente (no, Blade 2 no es oscura, es una película de acción muy Cool con arquetipos góticos). Tan gótico, pues. Todo su terror contiene cierta calidez en la imagen que te hace sentir desconfiado. Esos amarillos y rojos (que creo que he visto en casi todas sus películas) generan emociones encontradas. Como si el terror no se ocultara en la oscuridad sino en la luz. Pero no se preocupen, hay algo de luz en La Cumbre y la película funciona con toda su atmosfera negra, azules y blancos. 

Uno de los elementos claves en la carrera de Del Toro, y que acá se cuidó a más no poder, fue el trabajo estético. Rigurosamente trabajado, como siempre. Todo el elemento de producción desde el vestuario y la escenografía son geniales. Confieso que estos aspectos se tornan algo exagerados, comparando los vestuarios originales de la época, pero sin duda es una forma de profundizar el atractivo visual del aura gótica. Y claro está, la casa (o Castillo), completamente viva, que respira, sangra, está repleta de sombras y se expresa con chirridos. A eso le agregamos la música de Fernando Velázquez (que ya quiero tener en mi iPod) y el ambiente resulta ser la viva imagen real del arte gótico. Eso sí, no desaparece Del Toro en ninguna escena. Siempre se hace notar su estilo. SPOILER: Como el asesinato de Carter Cushing, tiene las mismas características brutales de aquel joven que muere a manos del Capitán Vidal, golpeado con una botella en el Laberinto del Fauno. 

De nuevo vi doblada la cinta, pero hasta así pude notar el casting bien elegido. Todos cumplen su trabajo a cabalidad, pero sin duda quien ilumina, a pesar de la oscuridad que la envuelve, es Jessica Chastain. Acostumbrados a verla como la dama honorable, con la mirada distante, de ternura blanca, acá vemos un matiz que era sin duda necesario que se explorara. El aspecto sombrío del vestuario, su penetrante mirada y sus violentos y decididos gestos hacen que se sienta a flor de piel el profundo misterio que oculta. 10 puntos Chastain.

Otra cosa que llama severamente la atención son los fantasmas. Y no es que se comen el show. Al final del film, luego de toda la experiencia, descubrimos que los mismos no están ni cerca de ser los protagonistas. Salí de la sala pensando en el terror que genera el humano. Los fantasmas son referenciales, representan ese llamado de advertencia. Pero no más. El terror, como dije, se encuentra entrelazado en ese concepto de amor, sombrío y retorcido, que resulta ser el verdadero monstruo del film.

Del Toro tiene cintas de todo tipo, grandes (Titanes del Pacifico) o pequeñas (como El Espinazo del Diablo) y siempre encuentra seducirnos con sus historias inteligentemente diseñadas, con una puesta en escena cuidada y valiosa y un amor que revela ese lado romántico que siempre lo acompaña. 

Si no han visto La Cumbre Escarlata, VEANLA, es una orden. Sean pacientes con ella. Se toma su tiempo para enamorarnos de a poco. Cuando lleguen al segundo acto ya se darán cuenta de lo que digo.

Trailer:

The Martian (Misión Rescate)

Sinopsis: El astronauta Mark Watney (Matt Damon), un botánico e ingeniero mecánico de la NASA; se ve atrapado en el planeta Marte cuando la tripulación del Ares 3 debe evacuar su lugar de aterrizaje ante una tormenta de arena. Sin su tripulación, se ve obligado a encontrar la forma de regresar a la tierra y sobrevivir confiando en sus habilidades científicas y técnicas. Mientras que sus compañeros astronautas piensan que podría estar muerto, Watney comienza a filmar un diario registrando su estadía en el planeta rojo. Cuando la NASA descubre a través del satélite que Mark podría estar vivo, comienzan a trabajar para rescatarlo.

Honestamente poco ruido hizo la promoción de The Martian (Misión Rescate) en Venezuela (al menos desde donde yo vivo), pero lo bueno fue que trajo muchas y buenas nueces. Parece que Ridley Scott no deja que su mente aterrice. Ya con los proyectos de Prometheus y la conexión de la saga Alien, el director de 77 años, continúa prolongando su presencia en el espacio y la ciencia ficción. 

P.D: Lamento decir que vi The Martian doblada. No condeno el trabajo de doblaje pero ¿es realmente necesario ver doblada una película como The Martian en el cine? Desde el interior del país son muy reducidas las opciones para ver una película. En fin, la función debe continuar.

Ciencia ficción, humor, humanidad

Las películas de Ridley Scott, dependiendo del tema a tratar, siempre están cargadas de muchísima información. Sin embargo aquí se aligera su tono, su modo de contar las cosas. Permite digerir las complejas formulas de la física, química y botánica sin problema. Es como si el director de Thelma y Louise (1991) se encontrara con el de Alien, el octavo pasajero (1979) y crearan un producto que se sitúe entre ambas tendencias: ciencia ficción, humanidad y humor. Scott, con su cara de cañón, puede hacernos pensar aunque también puede hacernos reír.

El personaje de Matt Damon se enfrenta a la intimidante soledad de un planeta desértico como Marte. Podríamos recordar referencias contemporáneas como Moon (2009) y Soy leyenda (2007) en donde un sujeto se enfrenta al aislamiento, al nulo contacto con la humanidad. El resultado: reflexión existencial del ser. A pesar de todo, en este aspecto especifico, The Martian no deja de verse como una gran metáfora a la supervivencia y nos invita a meditar a partir de ello.

El personaje de Damon se toma bastante bien el año y medio que sobrevive en Marte comiendo papas cultivadas por él mismo (¿guiño al vegetarianismo?). Scott se encarga de mostrar a Watney bastante simpático y optimista. Pocas veces padece una verdadera crisis psicológica y emocional. Podría ser justificado por lo ocupado que mantiene su mente durante ese tiempo. Lo que veo es algo así como: sufre pero también la pasa bien. Tanto así que agrada verlo en esa prueba de vida o muerte. 

Un punto interesante y que me genera curiosidad es el personaje de Jeff Daniels como Teddy Sanders, director de la NASA. Preocupadísimo por la fachada publicitaria de la gran empresa espacial estadounidense. Conoce el poder de los medios de comunicación y ante una situación tan compleja insiste en ofrecer información a migajas, tosca, poco argumentada.

Esto puede ser una ventana de lo que es y ocurre dentro de la NASA y la información que comparten con la humanidad.  Meditemos: los países con tecnología espacial son grandes, poderosos, con muchísimo dinero y a su vez muchísimos secretos. Pienso que conocemos la punta del Iceberg. Por supuesto, es difícil pensar que esta tarea se reduzca a una sola persona. Debe existir todo un departamento que suministra (y filtra) la información. Creo que la idea era reducirlo al personaje de Daniels y darnos esa sensación de antagonista. Necesario para la narración fílmica. 

Pelea de gallos espaciales

The Martian ha sido comparada en foros de internet con Interestelar (2014). Claro, apenas vi el tráiler la fórmula referencial para relacionar ambos films era: espacio-Jessica Chastain-Matt Damon. Pero no entiendo por qué se busca enfrentarlas como si fuese una pelea de gallos. 

Considero ambas cintas distintas y a su vez con grandes virtudes. Interestelar me parece que es una historia con una carga emocional más densa y eso hace un poco cuesta arriba la narración de la misma. Es decir, le exige más al espectador. The Martian puede que toque esa fibra emocional pero se desarrolla de un modo más digerible. Tomemos en cuenta que Ridley Scott tiene más experiencia en temas del espacio y ciencia ficción. Mientras que Nolan siempre ha explorado al ser humano y su ciclones internos. 

No creo que Scott haya aceptado hacer este film para restregarle a Chris Nolan que lo que hizo lo hizo mal. 

Esto me hace recordar el patético debate que generó el estreno de Interestelar. Apenas salió a la luz el mundo empezó a despotricar Gravity (2013). Por favor, no estamos hablando de Roland Emmerich o Michel Bay. Creo que las tres cintas son valiosas y cada una es tan importante como la otra.

Ultimas palabras...

En conclusión, recomiendo plenamente The Martian por encontrar un equilibrio narrativo entre el entretenimiento y las circunstancias complejas que padecen los personajes; reinando siempre el valor de la lealtad y la importancia de la relación del ser humano. No todo es humor, aclaro, el último tramo de la cinta es de tensión pura y logra ese sentimiento de satisfacción final al espectador. Por supuesto, sigue siendo Hollywood.

En mi caso, y como ya es costumbre en estos particulares comentarios, espero las cintas de Prometheus y Alien de Ridley Scott. Que la salud y la edad le permitan regalarnos las cuatro películas que tiene pensado dirigir/producir sobre esta saga. 

Además del ridículo nombre en español (Misión Rescate) el "Tráingalo de vuelta" es la peor frase para un póster. Ni que fuese un pote de leche o un saco de harina.

Intensamente

Sinopsis: Riley, al igual que el resto de los demás, es guiada por sus emociones que viven en Cuarteles Generales; el centro de control dentro de la cabeza de Riley. Desde ahí las emociones la ayudan y aconsejan a lo largo de su día a día. Luego de mudarse a San Francisco, tanto las emociones como Riley, tratarán de adaptarse a este cambio que desencadenará la gran aventura de sus emociones más fuertes: Alegría y Tristeza.

Estudiando el buen y mal (o no tan convincente) sendero de Pixar

Por fin vi Intensamente. Y digo esto porque siempre he sido un seguidor de Pixar. Disfruto mucho con sus grandes clásicos cada vez que aparecen por televisión. Sin embargo debo decir que últimamente la empresa había bajado la calidad de sus proyectos. Brave, Cars/Cars2 y Monsters University no son malas cintas, pero por mucho dejan de ser tan memorables como Ratatouille (2007), Buscando a Nemo (2003), WALL-E (2008) o Toy Story (1995).

Intensamente no entra en ese departamento de ultra clásicos, aunque tampoco es una película olvidable. Creo que el sitio al que pertenece se encuentra entre ambos extremos. Es como una cinta que viene a formar parte de un periodo de transición. Quizás una nueva etapa de Pixar, refrescante, rejuvenecida y planteándose nuevas temáticas. Este asunto de las emociones y cómo funcionan me parece una idea original y hasta ambiciosa. 

Ese sería, considero yo, el camino que la gran empresa debería emprender. Aunque paralelo a esto quisiera agregar que me preocupa que Pixar esté cediendo su puesto de material original (algo que siempre he valorado) y se esté dejando llevar por una de las corrientes actuales de Hollywood: las secuelas. Ejemplos: Buscando a Dory o Toy Story 4.

No estoy en contra de sagas o trilogías. Por mi corriente sanguínea se encuentran El Señor de los Anillos y la saga cinematográfica de Marvel. Pero esa idea de que una franquicia no tenga su final a este punto me resulta patética. Si algo es verídico en nuestra existencia es que todo tiene un final y esa manipuladora esperanza de tener continuidad hace que afecte esa idea. Quizás es una apreciación muy personal; pero disfruto ver el cierre de una saga. Que esa interrogante sobre el paradero de los personajes sólo quede en nuestra profunda actividad imaginaria y hagamos nuestras propias películas mentales una y otra vez, hasta que nuestro final llegue. 

Esperemos y veremos.

Espiral de profundas y complejas emociones

Peter Docter dirige Intensamente. Es recordado por haber dirigido Monster, Inc (2001) y Up (2009) y co-escribir WALL-E, Toy Story y Toy Story 2. Es decir, hablamos de un veterano de la animación pixariana. Docter nos lleva por el tema de las emociones con gran profundidad, preocupándose en hacer llegar el mensaje a los dos tipos de audiencia: adultos y niños. En el caso de los niños pueden disfrutar la película más por los coloridos personajes en sí, sus graciosas escenas y las adversidades que padecen. Con los adultos toca la fibra para un análisis más profundo. Ya aclaro más adelante este último punto.

Hay cinco personajes en Intensamente: Ira, desagrado, miedo, alegría y tristeza. Todos operan (si puedo usar esta palabra) a su entrañable huésped, Riley, y tratan de tomar las mejores decisiones para proteger, animar y hacer mejor la vida de Riley.

A lo largo de la historia notamos la importancia de cada una de estas emociones. Pero todo cambia con dos hechos en la vida de Riley: su edad (tiene 11 años y está dejando de ser una niña para entrar en la adolescencia) y el inevitable hecho de mudarse a otra ciudad (cosa que desconcierta e interrumpe su acostumbrada y placentera vida).

Ese gran nudo de la historia provoca el gran problema que sucede en el interior de la mente de Riley. Por otra parte, esto nos hace darnos cuenta de lo radical que son las emociones cuando somos niños. Estamos felices, tristes o frustrados. Pero nunca todo al mismo tiempo. Eso empieza a cambiar una vez que comenzamos a crecer. El crecimiento nos hace ver las cosas con mayor complejidad y esa complejidad hace de nuestro comportamiento algo único. Así se define nuestra personalidad y el balance de todas las emociones es la madurez.

La historia busca principalmente hacernos conocer a dos personajes: tristeza y alegría. Parece en cierto modo una batalla entre el bien y el mal. Pero el film nos lleva a conocer como ambas emociones son necesarias. Obvio, todos queremos la felicidad absoluta, pero no siempre el mundo exterior e interior nos llevan a ese lugar. La tristeza es necesaria para recordar lo relevante de nuestra vida con nostalgia. 

Este es el gran logro de la película; abordar todo el tema de las emociones con tanta sobriedad e inteligencia. Como ven, es un tema un tanto complicado (por eso considero que los adultos la disfrutarán más) pero logra hacernos pensar sobre lo que sentimos. El cómo funciona y cómo lo resolvemos. Está de más decirles que la recomiendo ampliamente. 

Por otro lado, estoy a la espera de The Good Dinosaur (que se estrenará en noviembre) y espero que sea igual de divertida, profunda y satisfactoria que Intensamente.

Trailer:

Todo por la taquilla

Sinopsis: Cuatro amigos (Alfredo, David, Cesar y Manuel) se reúnen para culminar su proyecto soñado, Hostilla, la primera película de vaqueros venezolana. El desarrollo de este proyecto se transforma en una agitada aventura en donde cada uno de los personajes padecerá los infortunios de sus defectos y los tradicionales obstáculos externos para concluir el gran sueño de sus vidas. 

¿Mi tardanza justifica el fin?

Esta cinta se estrenó ya hace semanas en nuestra ciudad. Ya no está en cartelera. Quizás este breve comentario de la película no esté ubicado en tiempo y espacio. Pero creo conveniente tener este registro en el blog debido a varios puntos: (a) Porque el director es oriundo de Trujillo y eso motivó (digo yo) a que filmaran en locaciones de nuestra tierra andina, (b) porque la promoción de la película tuvo como consecuencia que sus realizadores y actores visitaran dos de nuestras universidades (ULA-NURR y la UVM), y (c) porque el día que se estrenó la obra en nuestra ciudad contó con varios miembros del reparto a las afueras de la sala (algo que pocas veces vemos por acá).

Debido a toda esa actividad comparto mi comentario sobre Todo por la taquilla. 

Western a lo venezolano

Todo por la taquilla, ópera prima de Héctor Puche, inicia mostrándonos un pueblo western (muy a lo Hollywood). El duelo clásico entre antagonista y héroe se convierte en un absurdo que marca el tono del film. Esa secuencia es interrumpida para presentar a los personajes creadores del film y explorar lo que ocurre detrás de Hostilla, la épica historia. 

El grupo de los cuatro amigos no congenian, no armonizan ideas debido a sus marcadas personalidades y defectos. El director que carece de autoridad y carácter, el actor que está convencido de ser una estrella innata, el productor que resuelve con lo que sea su propio trabajo y el director de fotografía que jamás concluye un proyecto. Sin embargo su compañerismo termina siendo el motor de esta idea que poco a poco se materializa.

La historia es una sátira a la desorganizada forma (que tienen muchos) de hacer cine; milimétricamente improvisado y descuidado. Lo que me hizo recordar el trabajo de Ed Wood. Aquel director americano que realizó mediocres películas pero que para él eran totales y absolutas obras maestras. ¿Podría ser ese énfasis al trabajo mediocre y de salida fácil una metáfora a la forma de trabajar del venezolano? 

Debo comentar la aparición de Niquitao en la película. Me agradó ver a un pueblo trujillano tan bonito en la gran pantalla (no es la primera vez). El efecto de este paisaje montañoso y frio es una discordia total e irracional a los ojos del clásico y desértico ambiente de una película de vaqueros. Lo mismo ocurre con el vestuario, más cercano a una versión venezolana de Pasión de Gavilanes. En pocas palabras estos elementos enriquecen la sátira de la película. 

El primer acto, lejos de ser perfecto, funciona bastante bien ya que percibimos los ciclones emocionales de sus personajes. Nada profundo, claro está, pero logran entretener. Sin embargo esto no ayuda al forzado ritmo de la historia y la deteriorada edición que debilitan gran parte de las escenas y deja huecos argumentales que se resuelven de manera muy práctica (el personaje de Dimas González es ignorado en la última etapa de la cinta y su final feliz se siente impuesto, nada verosímil). Por otro lado está el humor que en gran parte se reduce a situaciones que buscan la risa fácil; y en la mayoría de los casos no funciona. 

Todo por la taquilla es una película que se aleja de ser pretenciosa. Una producción independiente que busca principalmente entretener y refrescarnos el ánimo a pesar de sus desaciertos. En mi caso espero el próximo trabajo de Héctor Puche; un documental sobre el Rap, la cultura urbana en Venezuela y su aporte artístico.

Trailer

Ant-Man

Sinopsis: Armado con un súper traje que le da la habilidad de reducirse de tamaño e incrementar su fuerza, Ant-Man debe apostar por su héroe interior y ayudar a su mentor, el Dr. Henry Pym, a planificar un robo y así proteger al mundo de una terrible amenaza. 

¿Hubiese sido mejor si...?

Y así como llegó la película a Valera llegué a la función, tarde. Tomemos en cuenta que el film se estrenó ya hace más de un mes y apenas la vi el martes pasado. Obviando esta penosa introducción, confieso que me gustó mucho la cinta que finaliza la fase dos del universo cinematográfico de Marvel. No es perfecta, pero muchos sabemos que pudo ser mejor. ¿que evitó que esto fuera así? Pues, Marvel.

Es muy probable que las deficiencias del film se deban a la salida del proyecto de Edgar Wright. Responsable de películas como The World’s End (2013) y Scott Pilgrim contra el Mundo (2010), trabajó junto a Joe Cornish en el guión de Ant-Man durante 8 años. Cuando iba a iniciar el rodaje de la película, Wright se retiró del proyecto por diferencias creativas con Marvel. Lo que quiere decir que este film pudo haber sido muchísimo más interesante y de una solidez sin igual. ¿Por qué digo esto? Sencillo, Wright es un auténtico geek. Es fan del mundo del cómic y, sabiendo su historial fílmico, lo más seguro es que pudo haber hecho una mejor película.

En fin. La película funciona a pesar de. Y por más pequeña que sea (pequeña para Hollywood), la recomiendo a todos aquellos que siguen o no al mundillo de las historietas estadounidenses. 

Honores al hombre hormiga

Para los que no están sumergidos en el mundo de Marvel y su universo cinematográfico, debemos recordar que el personaje más popular que ha llevado el traje del hombre hormiga (en los comics o series animadas) es Henry Pym, interpretado por Michael Douglas. A pesar de ello, de que su sucesor (Scott Lang) sea el protagonista de esta cinta, se le dedica valioso tiempo y relevancia (justificada) al personaje de Douglas, quien parece engranar emocionalmente con los actores Paul Rudd y Evangeline Lilly.

Ant-Man no es el personaje más famoso de Marvel. De hecho, en ocasiones se subestima por considerar ridículos sus poderes (encogerse y comunicarse con hormigas); un poco lo que ocurre con Aquaman en DC Comics. A pesar de ello, la película se encarga de presentarnos al nuevo héroe de tal modo que nos encariñemos de lo que es y representa. El solo reducirse de tamaño y visualizar ese mundo desde una perspectiva miniatura (amparado por los divertidos y psicodélicos efectos visuales) y el agregado de un peligroso mundo subatómico (que representa el filosófico viaje del ser hacia el infinito) hace de Ant-Man un film que profundiza cuando debe hacerlo. 

Matices del mundo miniatura

Peyton Reed (el director) es reconocido por sus films de comedia. Quizás escogieron a alguien de este perfil para aligerar un poco los densos trabajos anteriores de la franquicia (Thor: El Mundo Oscuro, Capitán America: El Soldado del Invierno y Los Vengadores: La Era de Ultron). Esto generó que gran parte de la película me la pasara riendo. Disfrutaba de cada escena, secuencia de acción y los chistes que les acompañaban. Pero el humor se convierte en algo tan constante que da la sensación de estar en una comedia con momentos serios. Las cintas de Marvel tienden a ser muy graciosas (Guardianes de la Galaxia) pero la balanza aquí se inclinó hacia un sólo lado. 

Compensando lo antes mencionado, Reed logró crear cierto efecto intimista en los personajes utilizando el hogar. El hogar es el escenario en donde ocurre la mayor parte de las escenas relevantes (la familia, diferencias marcadas entre los personajes, escenas de acción). Como si la idea fuera mostrar la gran complejidad y fuerza del personaje, de su universo interno, en un entorno imponente y amenazador. 

Cabe mencionar positivamente el trabajo de Paul Rudd. Sin mucho esfuerzo parece engranar bastante bien con Scott Lang, con sus problemas, su sed de ser mejor y enterrar el pasado. 

Cory Stoll como Darren Cross (Yellowjacket) pasa a ser uno de los villanos más flojos de los films de Marvel. Se le dedica poco tiempo al desarrollo del personaje. Sus ambiciones son sólo resultado de los errores de Pym (por haberlo considerado en un principio para el proyecto Ant-Man). Esto no está del todo mal pero es mero rencor y menos profundidad lo que motiva los planes de Cross. Sin duda la debilidad mayor de la película. Sin un buen villano desaparece esa angustia que uno experimenta al ver el titánico esfuerzo del héroe para vencerlo. La clásica metáfora se va a la basura. 

Aunque debo decir (para seguir compensando) que el enfrentamiento entre Yellowjacket y Ant-Man es una secuencia de lo más entretenida. Creo que se debe al especial gesto de parodiarse a sí mismos mientras se movilizan de un escenario a otro. La maqueta/ciudad siendo destruida por Yellowjacket no sólo encuentra reírse de las películas de Marvel, sino de otras innecesarias creaciones del blockbuster actual.

Cosa que causa algo de ruido visual es la acelerada edición cuando Lang aprende a usar el traje. Interrumpe abruptamente escenas que tienen cierto peso emocional (los momentos de Douglas y Lily, por ejemplo). Sin embargo, el montaje vuelve a tomar un curso más fluido al finalizar esta etapa. 

Por último quisiera mencionar que me agradó que la película diera esa sensación de ser conclusiva. Sabemos que Ant Man continuará teniendo apariciones, pero la historia cierra sin dejar esa sensación de que sólo ha sido una película conexa. 

Ant-Man demostró ser  interesante y entretenida a pesar de sus fallas. De esas cintas que introducen a estos héroes, considero que Ant-Man está muy por encima de Capitán América: El primer vengador (2011) y Thor (2011). También me atrevo a decir que me entretuvo más que Los Vengadores: La era de Ultrón. Quizás me linchan por eso. Quizás se deba a mi recalcitrante negación de aceptar el 3D. Ok, ok, quizás deba volver a verla.

Mientras tanto espero impacientemente Capitán América: Civil War. Hasta el momento parece ser el gran proyecto épico de Marvel después de la primera cinta de los vengadores. 

Trailer: